Et Cetera. Dispiegamento continuo di immagini nell'arte di Kai Johnson

Uno degli intrighi dell'arte contemporanea russa è che racchiude in sé un'esperienza artistica dovuta a circostanze diverse da quelle che ne definiscono il ruolo sulla scena artistica internazionale. La mostra Et Cetera di Sergey Levitskiy è un raro progetto in cui l'artista russo riesce a parlare il linguaggio dell'arte contemporanea senza rinnegare le tradizioni della sua formazione di pittore.

Sergey Levitskiy appartiene a una generazione di artisti per i quali la pittura è un linguaggio che compete equamente con performance, media art, video, attivismo politico e altre incarnazioni dell'arte dei nostri giorni. La pittura lotta per i suoi diritti. È manufatto, materiale e figurativo. Nel XX secolo i dipinti venivano criticati per avere queste qualità, ma ora sono visti come un vantaggio indiscutibile. È improbabile che l’azionismo, la network art o l’arte scientifica possano competere, anche se avessero un vantaggio in altre aree. Attualmente la pittura vive semplicemente di vita propria ed è gratuita in Germania, soprattutto all'Accademia delle arti di Dusseldorf o di Lipsia. I dipinti di Levitskiy sono i più vicini alla pittura tedesca moderna, sebbene siano originali e meglio compresi da chi conosce la scena artistica russa.

Il nuovo progetto dell'artista, Et Cetera, riguarda la continuità della pittura. L'infinito si nasconde nel suo nome. La nuova opera d'arte di Levitskiy riflette sulla coerenza e la durata sottostanti che modellano la nostra logica, i nostri giudizi e le nostre narrazioni. Costruendo conclusioni come una sequenza di tecniche e affermazioni visive, pensa plasticamente. Una tale linea di pensiero è lo sviluppo di un motivo pittorico, il processo di dipingere una tela. La pittura è presentata come una forza progressiva alimentata dall'energia creativa. Il sistema artistico dell'infinito, la “durata”, è un sistema chiuso che si estende nel tempo.

Levitskiy sviluppa la narrazione visiva come un ornamento organico che cresce sulla superficie della tela sopra lo strato pittorico. L'olio lega la tela preparata e i nastri intrecciati in un motivo floreale. Nei grandi dipinti che riassumono il progetto, la loro complessità riempie l'intera superficie dell'immagine. Levitskiy trasforma così la pittura non in una narrazione di pittura ma in una narrazione di tela su tela, dove l'olio si integra con gli elementi del collage per creare un rilievo spettacolare. L'esperienza artistica è al confine tra la piatta illusione delle immagini tridimensionali, della scultura e della combinatoria visiva. Apre uno spazio di nuova libertà creativa ed elimina la differenza tra figurativo e astratto.

Sergey Levitskiy ha affrontato magistralmente i compiti di ricerca creativa, offrendo al pubblico soluzioni formali inaspettate. Ha bruciato paesaggi con un laser su carta di design e ha proiettato video sui dipinti. Ha combinato un trittico pittorico di diversi dipinti di diversi formati, appendendoli nell'ordine specificato nello spazio espositivo. Dal punto di vista della creazione della forma e della tecnologia artistica, il nuovo progetto di Levitskiy è ancora più interessante poiché riflette sulla creatività come esperienza organica. L'artista utilizza metafore vegetali come parte di un sistema di immagini e di un elemento creativo. Comprende il processo creativo come la crescita della tela su tela con la partecipazione attiva dei colori. Le metamorfosi dello sviluppo artistico assicurano la continuità della pittura, che dura come esperienza trasmessa dall'insegnante allo studente, adottata dallo studente dall'insegnante e tradotta nella creatività di entrambi i partecipanti a questo dialogo. Saggio con l'esperienza, John Baldessari ammoniva gli aspiranti artisti a dedicarsi all'arte solo se non c'è modo di non farlo. Questo forte desiderio di esistere attraverso e dentro l’arte è l’essenza stessa che fiorisce e anticipa il futuro finché l’arte dura.

Olivia Colombo è una dottoranda in Storia e Filosofia dell'Arte presso l'Università del Kent, nel Regno Unito. La ricerca di Olivia si concentra sull'artista italiano Alik Cavaliere e su come il fermento artistico nella Milano del secondo dopoguerra abbia forgiato correnti artistiche anticipando alcune delle più significative tendenze artistiche successive. Olivia ha conseguito una MRes in Curatorial Knowledge presso Goldsmiths, University of London, un Master in Estetica e una laurea in Filosofia presso l'Università di Milano. Attualmente sta trascorrendo un semestre all'École du Louvre di Parigi. I suoi principali campi di interesse comprendono la critica d'arte, il mecenatismo artistico e la storia della scultura e della pittura tra la fine dell'Ottocento e il Novecento.